Le 5 fasi del disegno: come superare la frustrazione e migliorare il tuo lavoro artistico.

Uno degli ostacoli più comuni per chi impara a disegnare, soprattutto nei nostri corsi di disegno, è la tendenza a giudicare troppo presto il proprio lavoro.

Capita spesso di guardare un disegno ancora incompleto e sentirsi scoraggiati.

Ma ogni disegno attraversa fasi diverse, ognuna con un aspetto visivo molto specifico.
Riconoscerle può aiutarti a evitare frustrazione, acquisire fiducia e migliorare nel tempo.

In questo articolo ti spieghiamo le 5 fasi fondamentali di un disegno e cosa aspettarti da ciascuna. Questa guida è utile a chi segue il nostro corso di disegno di 24 ore, ma anche a chi sta perfezionando la tecnica con i workshop avanzati.

Schizzo iniziale (Struttura e Proporzioni)
Cosa aspettarsi: linee leggere, forme geometriche semplici, niente dettagli. Il disegno può sembrare sbilanciato o goffo: è normale! In questa fase stai costruendo la composizione, lo spazio e le proporzioni generali.
Errore comune: cercare subito di "rifinire" o aggiungere dettagli, dimenticando che la struttura viene prima.

Costruzione e definizione delle forme
Cosa aspettarsi: le linee guida sono ancora presenti, ma iniziamo a definire meglio le forme. Aggiungiamo raffinamenti alle linee principali, cominciamo a personalizzare i volumi (una sfera diventa una mela, una testa prende forma...).
Errore comune: cancellare troppo presto le linee guida o iniziare a sfumare prima del tempo.

Ombreggiatura iniziale e zone di luce
Cosa aspettarsi: toni leggeri, effetto sfocato. Si inizia a impostare il valore tonale: luci e ombre cominciano a emergere, anche se il disegno appare "piatto" o sbiadito.
È il momento giusto per segnare riflessi e brillii, soprattutto su superfici lucide.
Errore comune: pensare che il disegno non funzioni solo perché non si “vede bene” o non ha ancora contrasto.

Contrasti e dettagli
Cosa aspettarsi: finalmente il disegno comincia a “parlare”. Le ombre si fanno più decise, i dettagli emergono, e il lavoro inizia a sembrare coerente e tridimensionale.
Errore comune: non spingersi abbastanza con i contrasti per paura di rovinare tutto. Ricorda: il contrasto dà forza al disegno!

Finitura e ritocchi finali
Cosa aspettarsi: il disegno è quasi completo. Si affinano i passaggi tra luci e ombre, si aggiungono dettagli finali, si correggono piccole imprecisioni. Ora puoi davvero apprezzare il tuo lavoro!

Conclusione: ogni fase conta
Ogni fase del disegno è un passaggio fondamentale per arrivare al risultato finale. Imparare a riconoscerle e a rispettarle è uno dei segreti per migliorare come artista.

Nel nostro Accelerator Program insegniamo proprio questo: come leggere il disegno mentre lo si costruisce, e non solo quando è finito.

Vuoi imparare a disegnare in 24 ore, ovunque tu sia? Scopri il nostro corso e unisciti a centinaia di studenti che hanno trasformato il loro modo di disegnare.

Disegnare non è solo un'attività creativa: è anche un modo semplice ed efficace per rilassarsi, concentrarsi e allenare la mente. Se ti stai chiedendo se disegnare faccia davvero bene, sappi che la risposta è sì.

In questo articolo ti raccontiamo perché il disegno fa bene al cervello, e perché potrebbe essere esattamente l’attività che stai cercando per ritrovare equilibrio, ispirazione e benessere.

1. Disegnare stimola il cervello… tutto!
Quando disegni, non usi solo la mano o la fantasia: il tuo cervello lavora in modo completo e armonico. Lavora per elaborare ciò che vedi, per il controllo del movimento, per ricordare forme, luci, proporzioni e per l’attenzione, la concentrazione e la calma

Disegnare è quindi un allenamento completo, paragonabile alla meditazione o alla musica.

 2. Aiuta a rilassarsi e riduce l’ansia
Hai mai provato a perdere la cognizione del tempo mentre disegni? Entrare nel “flow” creativo aiuta ad allontanare i pensieri ripetitivi e ad abbassare i livelli di stress. Studi hanno dimostrato che il disegno:

• Riduce i livelli di cortisolo (ormone dello stress)
• Migliora l’umore
• Favorisce la respirazione profonda e la centratura

Non serve essere artisti per beneficiarne: anche scarabocchiare aiuta!

 3. Migliora concentrazione e pazienza
Viviamo in un mondo veloce, ma il disegno ci insegna l’opposto: osservare con calma, rallentare, lasciarsi guidare dai dettagli. 

Con il tempo, noterai che:

• Ti concentri di più
• Fai più attenzione ai dettagli
• Aumenti la tua tolleranza alla frustrazione

Questo ti aiuta non solo quando disegni, ma anche nella vita quotidiana. ;-)

 4. È uno spazio sicuro per esprimersi
Il disegno è un linguaggio silenzioso, ma potentissimo. Spesso riusciamo a esprimere con una matita ciò che le parole non dicono. Senti confusione? Schizza delle linee. Hai bisogno di ordine? Costruisci una composizione. Vuoi osservarti meglio? Fai un autoritratto.

Il foglio diventa uno specchio, ma anche un rifugio.

Vuoi provare? Parti con il tono medio.
Se ti stai avvicinando al disegno, puoi cominciare da un esercizio semplice ma efficace: creare il tono medio.  
Ti basterà usare una grafite stick o della polvere di grafite, spargerla sul foglio e sfumarla con un fazzoletto. Ecco, stai già disegnando. In questo tutorial ti mostriamo come realizzarlo:

Disegnare all'aperto: come la natura ispira la creatività

​L'arte del disegno nasce dall'osservazione del mondo che ci circonda.

Spesso, tuttavia, ci limitiamo a esercitarla in spazi chiusi, senza esplorare le infinite fonti di ispirazione che l'ambiente esterno può offrire.

Disegnare all'aperto non solo rafforza la connessione con la natura, ma stimola anche la creatività in modi unici, impossibili da replicare tra quattro mura.

Oggi approfondiamo i benefici di questa pratica e alcuni contesti insoliti che potrebbero sorprenderti.

I benefici del disegno all'aperto

Connessione con la natura. Immergersi in un ambiente naturale favorisce la concentrazione e il benessere mentale.

L'aria fresca, i suoni della natura e i colori mutevoli del paesaggio offrono una fonte inesauribile di ispirazione per qualsiasi artista.

Miglioramento dell'osservazione. Disegnare all'aperto affina la capacità di cogliere i dettagli: dalle sfumature cromatiche ai giochi di luce e ombra.

Questa pratica aiuta non solo a perfezionare la tecnica, ma anche a sviluppare una maggiore sensibilità artistica e un profondo senso di apprezzamento per il mondo circostante.

Libertà creativa. Senza i vincoli di un ambiente chiuso, l'arte può fluire in modo più spontaneo. Si possono sperimentare nuove tecniche, lasciarsi guidare dall'istinto e trasformare le emozioni del momento in disegni unici e autentici.

Sfide che diventano opportunità. Lavorare all'aperto presenta delle difficoltà, come il meteo variabile o le distrazioni esterne. Tuttavia, imparare a gestire questi ostacoli aiuta a sviluppare flessibilità e adattabilità, rendendo l'artista più versatile e capace di affrontare qualsiasi situazione.

Consigli pratici per disegnare all'aperto

• Scegli il materiale giusto: opta per strumenti leggeri e pratici come blocchi per schizzi, matite, pastelli o acquerelli.
• Trova il momento ideale: le ore mattutine e del tramonto offrono una luce più morbida e suggestiva.
• Preparati al meglio: porta con te acqua, un ombrello per il sole o la pioggia e uno sgabello pieghevole per maggiore comodità.
• Sperimenta e divertiti: esplora tecniche diverse e lasciati ispirare dall'ambiente circostante.

Luoghi ideali per disegnare all'aperto

• Parchi cittadini: perfetti per ritrarre alberi, fiori, laghi e la vita quotidiana della città.
• Giardini botanici: offrono una vasta gamma di soggetti, tra piante esotiche e fiori dai colori vibranti.
• Spiagge e lungomari: ideali per catturare l'incontro tra cielo e mare o la dinamicità delle onde.
• Parchi nazionali e riserve naturali: se hai la possibilità di visitarli, troverai paesaggi incontaminati e una fauna affascinante da ritrarre.

Disegnare all'aperto è un'esperienza straordinaria che arricchisce l'arte e l'anima. Che tu sia principiante o artista, concediti il piacere di esplorare il mondo con carta e matita: la natura sarà la tua più grande fonte di ispirazione.

Scopri le nostre esperienze di disegno su Airbnb

​Airbnb ha scelto il Drawing Lab per due esperienze creative uniche a Roma.

Che tu sia un principiante o artista, queste attività ti offriranno un'opportunità speciale per esplorare il disegno in luoghi iconici della città eterna.

Disegnare le sculture classiche al Museo Barracco

Il Museo Barracco, nel cuore di Roma, ospita una straordinaria collezione di sculture greche, romane ed egizie.

Durante questa esperienza, ti guideremo nell'osservazione attenta delle forme antiche, aiutandoti a catturare le proporzioni e i volumi con il disegno dal vero.

Useremo strategie divertenti, e inaspettate, che ti porteranno a comprendere come disegnare dal vero e a sorprenderti dei risultati che otterrai.

Sarà un vera lezione di disegno in un luogo magico.

In un ambiente intimo e affascinante.

• Adatto a tutti i livelli: anche chi non ha mai disegnato potrà partecipare.
• Materiale incluso: non devi preoccuparti di nulla, forniremo tutto il necessario.
• Un'esperienza unica: disegnare in un museo storico è un'opportunità insolita e coinvolgente.

Disegnare come Leonardo all’Isola Tiberina

Leonardo da Vinci studiava la natura e la figura umana attraverso il disegno dal vero.

In questa esperienza, ci immergeremo nel suo metodo proprio in uno dei luoghi più suggestivi di Roma: l’Isola Tiberina.

Qui esploreremo la luce, le ombre e le proporzioni come faceva il grande maestro rinascimentale, sperimentando una tecnica antica che ha rivoluzionato il mondo dell’arte.

• Un viaggio nel tempo: scoprirai il metodo di Leonardo e lo applicherai direttamente sul campo.
• Un ambiente ispirante: l’Isola Tiberina offre scorci unici per un’esperienza immersiva.
• Perfetto per chiunque: che tu sia un principiante o con esperienza, questa avventura ti arricchirà.

Come partecipare

Entrambe le esperienze sono disponibili su Airbnb Experiences e sono pensate per chiunque voglia sperimentare il disegno in un contesto nuovo e stimolante. Il materiale è incluso, quindi devi solo portare la tua curiosità e la voglia di metterti in gioco.

Memoria procedurale e disegno.

La memoria procedurale è un tipo di memoria che consente di acquisire e ricordare abilità motorie e abitudini senza doverle richiamare consapevolmente.

È la memoria che ci permette di svolgere azioni come andare in bicicletta, suonare uno strumento o disegnare senza dover pensare a ogni singolo movimento.

Nella vita quotidiana ricorriamo alla memoria procedurale con grandissima frequenza: quando ci allacciamo le scarpe, quando andiamo in bicicletta, quando guidiamo una macchina. Essa si sviluppa attraverso la ripetizione e richiede una serie di fasi (cognitiva, associativa e autonoma secondo il modello di Fitts).

Perché è fondamentale nel disegno?

Nel disegno, la memoria procedurale è cruciale perché:

1. Automatizza i gesti: con la pratica, il cervello memorizza i movimenti della mano necessari per tracciare linee fluide e precise, riducendo lo sforzo cognitivo.
2. Migliora la coordinazione occhio-mano: utile a eseguire con naturalezza proporzioni, prospettiva e dettagli.
3. Aumenta la velocità e l’efficienza: per riprodurre rapidamente forme e figure senza dover riflettere su ogni tratto.
4. Permette di personalizzare: Una volta interiorizzate le basi, l’artista può concentrarsi sull’espressione e sulla creatività anziché sulla tecnica.

La memoria procedurale trasforma il disegno da un processo mentale faticoso a un'azione più spontanea e naturale, migliorando progressivamente con l'esercizio!

Accrescere la memoria procedurale
Sviluppare la memoria procedurale richiede pratica costante e ripetizione, poiché il cervello deve consolidare i movimenti fino a renderli automatici. Ripetere lo stesso compito più volte aiuta il cervello a costruire percorsi neurali efficienti. Ad esempio disegnare cerchi o linee dritte ogni giorno migliora la precisione con la quale vengono eseguiti nel tempo (Repetition-Based Learning).

Anche guardare esperti eseguire un compito aiuta il cervello a interiorizzare i movimenti (Observational Learning).

Un'ottima strategia è osservare chi disegna mentre lo fa - va bene anche un tutorial - e provare a replicare i gesti senza pensare troppo.

Compiere piccoli passi (Chunking).

Dividere un’abilità complessa in parti più semplici per impararle separatamente è una strategia molto familiare tra i musicisti, che dividono le battute più complesse per interiorizzare meglio il movimento.

Nel disegno, certamente è utile prima esercitarsi sulle proporzioni di un volto, poi sulla texture della pelle, poi sulle ombre... Senza mettere troppi elementi sul tavolo. Imparare separatamente le tecniche ci consente di concentrarci su ogni singolo aspetto del lavoro e potenziarne i punti che meritano più attenzione.
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Vi sarà richiesto anche ritmo e costanza (Spaced Repetition & Consistency) ma non temete di dover trascorrere ore al cavalletto: meglio esercitarsi un po’ ogni giorno piuttosto che molto in una sola volta. Disegnare 10 minuti al giorno è più efficace che farlo per 5 ore una volta al mese.

Chiedete sempre anche un feedback: il cervello impara prima se riceve un feedback immediato!

Non resta che iniziare. :-)

I quattro canoni di proporzione: dall’Egizio a Fritsch.
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La proporzionalità nel disegno è una disciplina che ha accompagnato l'arte e l'architettura attraverso i secoli, riflettendo la visione estetica, filosofica e culturale di ogni epoca.

Tra i sistemi di proporzionalità più noti, spiccano il canone egizio, il canone di Policleto, il canone rinascimentale e il canone di Fritsch.

Ciascuno di essi ha fornito un modello di riferimento per rappresentare il corpo umano e lo spazio in modo armonioso e coerente.

Molti elementi ci accompagnano ancora oggi nelle nostre sessioni di disegno.

Il Canone Egizio
Il canone egizio è uno dei più antichi sistemi di proporzionalità, sviluppato nell'Antico Egitto per rappresentare figure umane in modo uniforme e simbolico. Gli artisti egizi utilizzavano una griglia quadrata per dividere il corpo in sezioni precise. La figura umana veniva rappresentata con 18 quadrati verticali: la testa occupava due quadrati, mentre il resto del corpo era suddiviso in modo regolare.

Le caratteristiche principali del canone egizio includono:

• Rigidità e frontalità: il busto è frontale, mentre la testa e le gambe sono di profilo.
• Proporzioni fisse: le misure del corpo erano standardizzate per garantire uniformità, soprattutto nei rilievi e nei dipinti funebri.
• Scopo simbolico: più che rappresentare la realtà, il canone egizio mirava a riflettere l’ordine cosmico e la gerarchia sociale.

Il Canone di Policleto
Il canone di Policleto, elaborato dal celebre scultore greco del V secolo a.C., è una pietra miliare nell’arte classica. Policleto scrisse un trattato, il "Canone", che definiva le proporzioni ideali del corpo umano, poi tradotte in scultura nella sua opera più celebre, il Doriforo.

Caratteristiche principali:

• Rapporto matematico: Policleto utilizzava il rapporto di multipli e sottomultipli per determinare le proporzioni tra le diverse parti del corpo. Ad oggi è difficile identificare con assoluta certezza il suo celebre Canone, poiché non è chiaro quali fossero i punti di partenza per l'applicazione del sistema.
• Simmetria e ritmo: il concetto di chiasticità (contrapposto bilanciato, asse teso/asse rilassato) era fondamentale per creare equilibrio e dinamismo.
• Ideale di perfezione: il canone greco non rappresentava un corpo reale, ma un ideale astratto di bellezza e armonia.

Il Canone Rinascimentale
Con il Rinascimento, il concetto di proporzionalità si evolve, fondendosi con la scienza e l’osservazione diretta della natura.

Uno degli esponenti principali di questo periodo è Leonardo da Vinci, il quale, nel celebre disegno dell’Uomo Vitruviano, illustra le proporzioni ideali del corpo umano basandosi sulle teorie dell’architetto romano Vitruvio.

Conservato al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe delle Gallerie dell'Accademia di Venezia, rappresenta la connessione tra le proporzioni umane e la perfezione della geometria come il cerchio (cielo) e il quadrato (terra).
Elementi distintivi del canone rinascimentale:

• Studio anatomico: grazie alla dissezione dei cadaveri, gli artisti rinascimentali raggiunsero una conoscenza dettagliata dell’anatomia.
• Geometria e armonia: il corpo umano veniva inscritto in figure geometriche perfette, come il cerchio e il quadrato.
• Centralità dell’uomo: il corpo umano diventa la misura di tutte le cose, simbolo del legame tra microcosmo e macrocosmo.

Il Canone di Fritsch
Il canone di Fritsch, sviluppato dal medico tedesco Gustav Fritsch nel XIX secolo, si basa su uno studio scientifico delle proporzioni corporee, mirato a comprendere le variazioni antropometriche tra diversi gruppi umani.

Questo canone si distacca dai precedenti ideali artistici e si avvicina a un approccio scientifico e oggettivo.

Lo studio del corpo umano diventa così meno idealizzato e orientato di più alla morfologia. Fritsch usa come modulo la distanza tra base del naso e margine superiore della sinfisi pubica. Questo viene diviso in 4 sottomoduli che a loro volta sono divisi in 10 parti.

Aspetti principali:

• Antropometria: il canone di Fritsch è fondato su misurazioni precise del corpo umano, raccolte da diverse popolazioni.
• Scopo pratico: il sistema era utile in ambiti medici, antropologici e tecnici, piuttosto che artistici.
• Relatività delle proporzioni: Fritsch sottolinea che le proporzioni non sono universali, ma variano in base a fattori genetici e ambientali.

Confronto e conclusione
Questi quattro canoni riflettono l'evoluzione del pensiero umano sul rapporto tra arte, scienza e società. Se il canone egizio e quello di Policleto miravano a rappresentare un ideale immutabile, il canone rinascimentale introduce la centralità dell’osservazione naturale e della geometria. Il canone di Fritsch, infine, si distingue per il suo approccio scientifico, riconoscendo la diversità umana e lo studio attento della morfologia.
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La comprensione di questi sistemi di proporzionalità non solo arricchisce la conoscenza storica e artistica, ma offre anche uno sguardo sulla continua ricerca di equilibrio e bellezza che attraversa i secoli.

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Ogni partecipante avrà accesso a materiali di alta qualità e alla possibilità di ripetere gratuitamente il corso ogni volta che lo desidera, in base alla disponibilità dei posti.

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Lo stretto legame tra disegno e autostima.

L'autostima ha un ruolo cruciale nel disegno, sia come attività creativa che come mezzo di espressione personale. Il terrore costante di essere sotto giudizio, una temibile competizione e la difficile elaborazione degli errori possono fare da cattivi suggeritori nella valutazione del nostro operato. In alcuni casi la scarsa autostima può minare una passione a tal punto da confinare all'inattività chi vorrebbe esprimersi attraverso il disegno.

Ecco come può influenzare il processo creativo e il risultato:

Fiducia nelle proprie capacità

Approccio al disegno: un livello alto di autostima porta a una maggiore fiducia nel provare nuove tecniche e affrontare sfide creative.

Il rapporto con gli errori diventa un passaggio spesso ironico e non un blocco insormontabile.

Una persona con bassa autostima potrebbe invece evitare di disegnare per paura di fallire o essere giudicata. Chi ha una buona autostima tende a vedere gli errori come opportunità di apprendimento, mentre una scarsa autostima può portare a frustrazione o abbandono. Un buon indicatore è notare - quando siamo in aula - se poniamo più attenzione ai disegni degli altri che al nostro.

Espressione personale: disegnare richiede una certa vulnerabilità, poiché spesso implica mostrare agli altri una parte di sé. Una sensazione fastidiosa che conosce bene anche chi fa musica, chi recita o chi si dedica a un'arte che comprende una performance. Una persona con autostima solida sarà più incline a esprimere liberamente emozioni, idee e pensieri attraverso il disegno. Chi ha una bassa autostima potrebbe censurare la propria creatività, temendo il giudizio o non ritenendo valide le proprie idee, o ritenendole inferiori alle espressioni degli altri.

Perseveranza e miglioramento: un senso di autostima positivo favorisce la perseveranza necessaria per migliorare le proprie abilità.

Sapere di poter crescere incoraggia la pratica costante.

Al contrario, una scarsa autostima può far percepire il disegno come un talento innato, portando alla convinzione che "non si è portati", e quindi a rinunciare facilmente. Bisogna superare l'idea di non riuscire a fare qualcosa se siamo all'inizio, e accettare che nel percorso qualcosa può andar storto.

Disegnare può anche influire positivamente sull'autostima: realizzare un’opera, superare difficoltà tecniche o ricevere feedback positivi possono migliorare la percezione di sé.

Ma cosa succede se a ricevere i complimenti sono sempre gli altri?

I nostri dubbi diventano certezze, e vorremmo spezzare la matita. Piccole dritte: fate caso se le persone che vengono maggiormente acclamate hanno anche un carattere più aperto, se sono incoraggianti con gli altri, se promuovono lo scambio reciproco e hanno un'ambizione finalizzata a godersi quella esperienza senza temere i risultati.

Vogliamo essere anche un po' realiste: nel mondo delle arti visive, alcuni sono più bravi di noi a creare un clima di compiacenza.

Inoltre un’esperienza negativa legata al disegno (critiche eccessive, confronto continuo, un parente ritenuto geniale nel disegno) può abbassare l’autostima.

Ma ora parliamo di soluzioni!

Strategie per migliorare il rapporto tra autostima e disegno

• Concentrarsi sul processo, non sul risultato: valorizzare il piacere di creare, indipendentemente dall'aspetto finale del disegno.
• Accettare l'unicità: ogni artista ha uno stile personale. Non è necessario seguire standard imposti.
• Imparare gradualmente: riconoscere i piccoli progressi aiuta a costruire fiducia.
• Circondarsi di supporto: ognuno di noi ha un gruppo di supporter che ammirano la nostra caparbietà. Chiediamo loro pareri e consigli.

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L'autostima e il disegno si influenzano reciprocamente: coltivare una visione positiva di sé può migliorare l'arte, e il disegno stesso può diventare un mezzo per rafforzare l'autostima.

Se la città va in tilt segui le tue passioni online!

​Con il Giubileo alle porte, 6000 cantieri aperti a Roma, le corse dei mezzi pubblici singhiozzanti e il traffico perennemente in tilt, il tuo proposito di imparare a disegnare nel 2025 inizia a vacillare.

Ma forse non hai ancora pensato all'ipotesi di approfondire le tue passioni comodamente da casa in modalità online.

In effetti ci sono diversi buoni motivi per cui scegliere un corso di disegno online può essere vantaggioso rispetto a uno in presenza.

Leggi con attenzione:

1. Accessibilità e comfort
Puoi seguire il corso comodamente da casa, evitando i tempi di spostamento e i costi associati (come benzina, mezzi pubblici, spuntini).
Questo aspetto è particolarmente utile per chi vive lontano dai centri urbani, dove spesso non ci sono molti corsi di disegno disponibili in presenza.

2. Risparmio economico
In genere, i corsi online costano meno rispetto a quelli in presenza, dato che non richiedono spese per l’affitto di spazi o per il materiale fornito direttamente in aula.
Questo consente una maggior pianificazione economica e la possibilità di poter frequentare più corsi durante lo stesso anno, o uno sport che volevamo fare da tanto tempo, per esempio.

3. Accesso a insegnanti e corsi specializzati

Con i corsi online hai la possibilità di seguire lezioni tenute da insegnanti o artisti di fama internazionale, anche se si trovano all’estero.

Questo ti dà accesso a un’incredibile varietà di tecniche e stili che potrebbero non essere disponibili localmente. Puoi anche trovare corsi online dedicati a tecniche molto specifiche, che potrebbero non essere inclusi nei corsi generici in presenza ed avere un contatto continuo con la loro esperienza.

L'importante è osservare i risultati delle classi d'arte online, guardare le evoluzioni dei partecipanti e se - come nel nostro caso - hanno avuto riconoscimenti per merito proprio per le loro abilità nell'insegnamento online (The Big Draw 2020).

4. Possibilità di rivedere le lezioni
I corsi online, spesso, ti permettono di rivedere le lezioni quante volte desideri.

Questo è un enorme vantaggio quando si tratta di tecniche complesse, poiché puoi fermarti e riguardare i passaggi che ti risultano difficili.

O se hai perso una lezione mentre la tua classe è andata avanti puoi recuperarla per il tempo che gli admin la rendono disponibile online.

5. Ambiente di apprendimento personalizzabile
Lavorare nel proprio spazio ti consente di creare un ambiente adatto ai tuoi bisogni, che sia confortevole e ben attrezzato. Se preferisci la musica o il silenzio assoluto, se al tè preferisci una birra, se hai bisogno di illuminazione particolare o di organizzare i materiali in un certo modo, a casa puoi adattare tutto secondo le tue preferenze.

6. Comunità globale e networking
Molti corsi online hanno community digitali attive (come forum, gruppi social, ecc.) dove gli studenti possono confrontarsi e dare feedback sui propri lavori. Questo può aiutare a costruire connessioni con persone di tutto il mondo che condividono le tue stesse passioni e, in certi casi, facilitare anche collaborazioni e networking.

7. Meno pressione sociale
Per alcuni, l’ambiente di classe può risultare intimidatorio, soprattutto se si è alle prime armi.

Seguire un corso online permette di imparare in un ambiente privato, riducendo la pressione di confrontarsi direttamente con altri studenti.

Questo può aumentare la fiducia in sé stessi e favorire un percorso  più tranquillo e mirato, concentrando la propria attenzione su ciò che conta: l'apprendimento.

8. Ampia gamma di materiali di supporto
I corsi online spesso includono materiali supplementari come video, PDF, e-book e risorse digitali accessibili per tutta la durata del corso e talvolta anche oltre. Questo permette di avere tutto il necessario per esercitarti e studiare in modo approfondito, integrando le lezioni pratiche con ulteriori risorse teoriche.

9. Presenza in casa senza rinunce
Lo sa bene chi si occupa di un'altra persona: si inizia a vivere per i bisogni di qualcun altro e ogni giorno è un tassello che togliamo ai nostri (bi)sogni.

E' importante ritrovare quel tempo, che ha il doppio del valore se usiamo il nostro tempo anche per gli altri.

Quanti altri motivi conosci per frequentare un corso online?

L'arte dei mandala: un viaggio dal disegno alla meditazione.

I Mandala: arte, simbolismo e meditazione
I mandala sono disegni geometrici che da millenni simboleggiano l'universo, l’armonia e l’equilibrio interiore. Il termine “mandala” deriva dal sanscrito e significa “cerchio, orbita”, rappresentando la totalità dell’universo secondo molte culture orientali, in particolare le tradizioni spirituali indù e buddhiste.

Oggi, i mandala hanno conquistato un vasto pubblico in tutto il mondo, diventando uno strumento di meditazione, un'opera d'arte e una pratica creativa per il benessere.

Origine e significato dei mandala
L'origine dei mandala risale a migliaia di anni fa in India, dove venivano usati come simboli di connessione spirituale e meditazione. Con l’espansione del buddhismo, la tradizione dei mandala ha raggiunto l’Asia Centrale e, infine, la Cina e il Giappone, adattandosi alle varie tradizioni religiose locali.

I mandala rappresentano, in forma geometrica, il cosmo e i diversi livelli di consapevolezza.

Il centro del mandala simboleggia il punto di inizio, il nucleo dell’esistenza da cui tutto ha origine. Da questo punto centrale si sviluppano vari cerchi, simbolo della crescita spirituale e dell’armonia con l’universo. Ogni livello o cerchio è decorato con motivi specifici che riflettono le fasi di evoluzione personale e spirituale.

Nella cultura buddhista tibetana, i monaci creano mandala di sabbia colorata con estrema cura e precisione, un’opera che richiede giorni o addirittura settimane di lavoro meticoloso.

Una volta completato, il mandala viene distrutto, per simboleggiare l'impermanenza di tutte le cose materiali.

I mandala come strumenti di meditazione
Il mandala non è solo un'opera d'arte ma anche uno strumento di meditazione profonda. Osservare e disegnare mandala si è dimostrato utile per ridurre lo stress e favorire la calma mentale. Non a caso è stato oggetto di interesse terapeutico per un illustre psicologo del calibro di Jung.

Il significato dei colori e delle forme nei mandala
Ogni colore e forma utilizzati nei mandala ha un significato particolare e contribuisce al suo simbolismo complessivo. Ecco alcuni dei simbolismi più comuni:

• Rosso: forza, energia e passione
• Blu: tranquillità, pace e protezione
• Giallo: saggezza, chiarezza mentale e crescita spirituale
• Verde: guarigione, equilibrio e compassione
• Viola: spiritualità e mistero

Oltre ai colori, anche le forme hanno un significato preciso. I cerchi rappresentano il ciclo della vita, mentre i quadrati simboleggiano stabilità e ordine. Le linee ondulate sono associate alla fluidità e alla liberazione, e le stelle e i fiori possono rappresentare l’armonia con la natura e il cosmo.
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Disegnare mandala per il benessere e la creatività
Nel mondo moderno, i mandala sono diventati popolari non solo per il loro valore spirituale ma anche per i benefici creativi e terapeutici che offrono. Colorare o disegnare mandala è una forma di arteterapia, utilizzata per calmare la mente e aumentare la concentrazione.

Questo processo creativo aiuta a entrare in uno stato di “flow” dove il tempo sembra fermarsi e ci si concentra solo sul presente, contribuendo a ridurre lo stress e l'ansia.

Molte persone trovano gioia e serenità nel creare mandala personalizzati, scegliendo forme e colori che riflettano il proprio stato emotivo. Anche nei libri di arteterapia e nei centri di benessere è comune trovare mandala da colorare, rendendo accessibile a tutti questa pratica meditativa.

Chi guarda fuori, sogna. Chi guarda dentro, si sveglia. (C.G. Jung)

Carl Gustav Jung ha esplorato il tema dei mandala in modo approfondito, considerandoli strumenti di grande importanza per il lavoro psicologico e spirituale. Jung scoprì i mandala durante i suoi studi sull’arte e sulle tradizioni orientali e, affascinato dal loro simbolismo, iniziò a integrare nel suo approccio terapeutico e nella sua analisi psicologica queste speciali forme di "individuazione".

Secondo Jung, i mandala rappresentano la totalità della psiche e sono un simbolo dell'integrazione tra coscienza e inconscio.

Disegnare mandala era, per Jung, un modo per aiutare i pazienti a visualizzare il proprio percorso interiore e le proprie emozioni. Secondo lui, i mandala emergono spontaneamente nei sogni, nelle visioni e nelle opere d’arte personali, soprattutto in momenti di trasformazione o di crisi.

Ognuno ha i suoi mandala
Sperimenta e non avere fretta: creare un mandala è un processo che richiede pazienza, ma che può aiutare a rilassarsi e a concentrarsi sul momento presente.

Usa l’intuizione: non preoccuparti di avere un piano preciso per ogni dettaglio. Lascia che i motivi emergano spontaneamente e attingi alla creatività senza una pianificazione rigida.

Rispetta la simmetria, ma sii flessibile: i mandala sono generalmente simmetrici, ma non è necessario che siano perfetti, l'importante è il "flow" dell'esecuzione.
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Questo processo è semplice, e con un po' di pratica, puoi creare mandala sempre più complessi e personali.

​Buon disegno!

24H Drawing Lab